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希腊的美在于精神-全盛  

2014-06-12 10:18:00|  分类: 默认分类 |  标签: |举报 |字号 订阅

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【艺论阁】英国浪漫主义民主诗人,人称“天才的预言家”的雪莱(Percy·Bysshe·Shelley)1792.8.41822.7.8说过:我们全都是希腊人;我们的法律、我们的文学、我们的宗教,根源皆在希腊。

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游走在神话和现实间--安格尔《黄金时代》


        黑格尔在“艺术死亡”论中艺术分为:象征性、古典型、浪漫型三种形态。他认为,象征性艺术是最初阶段的艺术形态,典型像:罗马印度、埃及、波斯等文明古国的建筑艺术如神庙、金字塔等。此类艺术往往用独特的民族民族形式和庞大的体积来象征一个民族的抽象的理想和不可抵抗的王权/神权,所以表现为一种“巨量物质压倒心灵的那种崇高的风格。”而由象征性艺术再发展就是较高形式的古典型艺术。在古典艺术中,精神理念的内容与物质形式达到了完美的契合统一,其风格形态静默和悦,肢体舒展流畅,意识开阔自由。事实上,黑格尔对艺术的所有判断都是以他推崇备至的古希腊艺术为范本的。他认为,希腊艺术的美好日子和中世纪晚期的黄金时代一样都一去不复返了。在他看来,(古希腊罗马)古典艺术达到了艺术的感性化所能做到的极致,如果说它本身有某种东西是有缺陷的,那也只是艺术本身的东西和艺术领域的局限性。

 

艺术和艺术阶段的划分

  无论消极如黑格尔还是积极如罗素,古希腊罗马艺术严格意义上讲是伯里克利统治前后时间的(Pericles,约公元前495—公元前429)“黄金时代”是欧洲艺术乃至世界艺术的巅峰阶段,而从艺术史的角度看,这个阶段为古典时期的初期。之所以把它奉为“经典和不朽”,原因在于:其一,希腊神话的核心精神在这个阶段达到完美诠释,无论是人神同体同性,无论是“命运不可抗拒性”等都在艺术上有了完美的诠释;其二,各种艺术形式均达到巅峰状态,雕塑,壁画,建筑,工艺美术等形式在经历了古拙阶段的洗礼后,这个时期无论在艺术形式,表现力还是在比例精确上都达到了极高的水平;最后,各类代表艺术家涌现并出现了一些艺术典籍。而关于艺术史的划分阶段,这里多说一点。在科学研究中,“纵向时间”研究的方法是很重要的研究手段之一,但事实上从形而上的哲学,到史学,社会学,艺术再到心理学,这些彼此融合相互交错的学科门类都不可能如数理化般精确的被“一刀切”,一来上层建筑的内容本身就有很大的不确定性,而研究者本人也一定有自己不可消弭的意识形态和认知的局限性,划分本身就存在很大的争议。对于业余爱好者的我而言,我更愿意以一种相对“粗放”的学习思路在看到艺术阶段:

       其一:以传统艺术史的阶段划分为参考,作为第一阶段阅读的指导,再完成学习后,再将阶段融合在一起,重新审视。如古希腊罗马艺术,实际上就可划分为古希腊艺术,希腊化艺术和罗马艺术,三者有明显的历史事件和艺术表现方式做区分;

       其二:宁少勿多。传统的艺术史会把古希腊艺术划分为4大阶段,从史前到公元前4世纪被称为荷马时代或黑暗时代:这个时期大型艺术品传世,仅出土了大量几何状的线性纹、鸟兽纹和人行纹的黑绘风格殉葬陶器希腊的美在于精神-全盛 - 未央艺阁 - 未央艺阁

之后是古/古风阶段,从公元前4世纪到公元前495年,这个阶段作品风格受埃及影响较大,虽然已经有人体等复杂的艺术形式,但呆板表现力不足;此后是古典时期和希腊化阶段。而仅古典阶段,又会被分为3-4个阶段。这种划分既不能很好的说明艺术的传承性和连贯性,又不能很好的表达艺术对其他社会门类的影响,所以我通常会从历史事实的角度看待这一阶段的划分。

     其三:以史实和代表艺术品为划分相对科学。就艺术史而言,某个阶段的艺术品无论何种门类一定有自己特点,最好的方式就是从大多数中抽象出一半规律,从而界定艺术阶段。


        言归正传,我们回到“黄金时代”的巅峰,从艺术品上考察真正古希腊的美和精神源自何处。前文里我们说过《神谱》是学习古希腊艺术必有的资料,而马克思也说:“希腊神话不只是希腊艺术的武库,而且是它的土壤。”之所以这么说,是因为希腊神话不仅仅提供了古希腊艺术的主题,元素和灵感,更重要是它为艺术提供了精神指导。重要的有三点:


1.     人神同体同性

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“同体”的含义可以从上图两个是来自古希腊古典时期的神像看出,左图是海神波塞冬,右图是太阳神阿波罗。左图是的海神像是在大海里被找到的,青铜造像,彩色宝石的眼睛经历风雨早已不知所踪,但整个身体的舒展,张大,放大,自由,以及手执三叉戟(长矛)的左右张开的肢体,仍让我们感觉到希腊鼎盛阶段无以伦比的精神状态。整个可以是神像,是不可一势的海神,但也可以是人像,是竞技场上奋力掷出标枪的运动员。在这里,神和人结合在一起。在希腊人看来,人是可以成为“神”的,通过两种方式:一是体能的锻炼,通过奥林匹亚的竞技;二是通过智慧的锻炼,哲学和思辨的训练。所以,即便是没有眼睛(如海神像),肢体破损(如维纳斯),希腊的精神依然是存在的,他们依然可以很骄傲的望向遥不可及的远方,他们的梦想就在这时起航。而当我们往后阅读到希腊化和罗马阶段时,我们发现,雕塑开始不再看远方,开始关注自己的身体,自恋并沉溺于一种自我的陶醉,我们知道,希腊的自由一去不复返,罗马的放纵和纵情声色已经成为必然。

 而所谓“同性”:我们来看以下两个作品:左图是巴洛克大师贝尼尼的表现阿波罗追求达芙妮的作品(他是后面会重点介绍的艺术家之一),右图是讲普罗米修斯盗取天火的故事。

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 这两件均藏在卢浮宫的作品深刻的表达了西方艺术对“神人同性”主题的思索和表达。阿波罗被情欲操纵追求并抢夺达芙妮(后者求父亲将其变为月桂树),普罗米修斯被同情打动盗取天火给人类(被囚禁于山崖,鹰啄食其身体)。在希腊人看来,这些居住在奥林匹斯山的神们从来不是闲来无事的,他们和人们一样,喜怒哀乐,嫉恨仇怜,各种人身上的美好的,丑恶的性感特征他们均有,且被无限制的放大。神不过是居住在另外一个地方的,可以长生不老的种族,看起来和《魔戒》中的精灵族差不多。

 三点讲了一点,剩余的两个主题,明天继续。总而言之,理解希腊并不难,关键在于我们是否能把自己全部抛开,去深入的考察自己内心对自我的真正审视,对人性的真正反思。起点未必就是“幼稚”,重点也未必能够“看透”,整个欧洲文明史说的就是这个问题。而东方艺术似乎也逃不开这个怪圈。

 

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