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针尖上的天使-哥特雕像 IV  

2014-07-02 14:19:52|  分类: 默认分类 |  标签: |举报 |字号 订阅

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【艺论阁】19世纪前期,法国著名人道浪漫主义作家,人称“法国莎士比亚”的雨果说:“悲惨的故事,表面似乎很平常,但其中充满诗意。你也许因其人物卑鄙下流而觉得荒唐可笑,然而在我看来,却因其感情之崇高而颇富悲剧性。” 

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Cathe?drale de Chartres(沙特尔大教堂) - 法

  

        中世纪中后期理性主义繁琐的经院哲学体系试图用古希腊辩证法的方式去论证神学体系中种种命题,很多在现在看到都无比荒谬命题,如:针尖上可以站多少个天使;如上帝是否可以创造出一块连自己都搬不起来的石头等等。我不想讨论他们类似“诡辩”而非“思辨”的论证过程,我只是想说,神学在西方整个文化/社会体系中的重要性。20世纪当西方的教育体系,尤其是高等教育开始建立的时候,他们的前身都有修道院,第一批老师都是当时的神职人员,所以在西方,它提供的不仅仅是艺术创作大量的灵感和内容源头,更重要的是提供了一种思考方式和思维习惯。而在当今中国的文化体系内,在马列唯物主义教育中成长的我们,会自动无视和屏蔽和“神学”相关的内容,但实际上这部分内容不仅牢固存在于传统文化的血脉当中(如风水,武侠小说/电影等),还时时影响我们的生活本身(如星座,黄历等),但可惜的是,这些传统文化的形成方式和研究方式并没有很好的融合进我们的思维方式和文化构成方式。

 

        毫不夸张地说,中世纪艺术就是教堂艺术,就是基督哲学的艺术。由于对信仰的追求,人们发展出哥特教堂的种种结构特点:飞扶壁(拱),尖拱(交叉尖拱),花窗等,同时,也把这种追求注入到其他文化形式中,如今天我们要看到的——哥特雕塑。

 

1.    所谓哥特式雕塑:

   哥特雕塑是和哥特建筑同时产生的,大多刻在大厦、照墙、洗礼盆和正门之上,特别是作为纪念碑上的图象用于教堂内外部的装饰。由于哥特整体审美的变化,哥特雕塑典型的特点是:修长的形体、拘谨的姿态和程式化的服饰,三者叠加产生的是垂直静止的效果。且由于各种雕像都是定型的,所以熟悉圣经故事的参观者只看,便知道雕刻的人物是谁。如图2夏特尔教堂南墙名为《四圣徒像》的一组雕像。可以看出,不同时代的四位圣徒都以圆雕的形式出现,每个雕塑在身材比例上基本相同,但相对于真实人体,比例拉长了很多,且衣服通常是流水纹,有很强的质感,所有雕像都有着安静、平和的神态,体现了基督教信念中的理想形象,具有很强的宗教感染力。到后期,会有身体曲线的旋律性变化,但基本也通过衣饰的变化来体现。

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早期哥特雕像

 

  需要说明的是,哥特的雕塑并非是没有颜色的,相反为了体现宗教的变化,很多雕塑是着金,着彩的。如图3

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着色照壁

 

2. 欧洲各国哥特雕塑的变化:

     法国是中世纪后期哥特艺术的发源地,哥特的审美最早从夏特尔教堂输出并风靡整个欧洲。但和其他艺术形式一样,艺术总有其本土化的改变和调和。

  当法国雕塑家仍在为圣徒们创造一种新的理想美,预言天国的光辉和来世的欢乐时,德国的雕塑已深入了普通人的领域。因此,瑙姆堡的创始人埃克哈特和乌塔像并不是“理想天国之美”的形象,不是遥不可及的圣徒,而是那个时代的人,承担着尘世生活的重担。乌塔藏身于她那宽大的衣衫之中,她的目光注视着并不明确的未来,表现出中世纪末期的忧郁。德国骑士制度的光辉时代业已过去,政治冲突的烟云已出现在地平线上。

  14世纪和15世纪早期的雕塑,也受到了觉醒的市民阶层思想与神秘主义感伤的影响。人物形象显得大众化,富于人情味了。它们不再是强有力的榜样,它们为个人的内心修养服务。那是“美丽圣母像”的时代,面容和蔼可亲,衣服宽大飘逸。这种衣服褶裥装饰的多样化已经摆脱了身体而独立,不像哥特盛期的塑像那样,衣服只是“身体的回声”。但是,获得这种外表的装饰性,同时也意味着内在价值的损失。一直到中世纪末期,在意大利已完成了文艺复兴从早期到盛期的过渡,德国的雕塑才又一次经历了姗姗来迟的繁荣。在蒂尔曼·里门施奈德和外特·施托斯的作品中,就像乐曲结尾的一个精彩的和弦那样,综合与复兴了整个中世纪的形态宝库。外特·施托斯的《圣母子》以有力的姿态摈弃了哥特式矫揉造作的圣母像。厚实的衣褶重又从属于身体的动作流,既亲切又严肃的面容控制了整个形象。

 

        作为文艺复兴发源地的意大利在雕塑方面也在走自己的路。那里表明继续是古典文化遗产的维护者,与欧洲北部的哥特式雕塑有很大不同。尼古拉·皮萨诺受古代石棺上的浮雕装饰启发,给了意大利的雕塑以新的推动。他在比萨和锡耶纳完成的布道坛,在哥特装饰形态构成的框架内展示了写实的人物浮雕,在风格上指明了文艺复兴的前景。

 

        编者注:哥特雕塑的单独照片实在找不到,哥特的艺术最高成就依然是建筑,特此致歉。

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